Austin Symphonic Band

“Celebration”
13 de Abril 2025

  NOTAS DEL PROGRAMA

Halcyon Hearts (2021, revisado en 2023)
Katahj Copley (n. 1998)

Nota del programa del compositor:

El amor no se deleita en la maldad,
sino que se regocija con la verdad.

Siempre te protegerá, confiará,
esperará y perseverará por ti.

El amor nunca falla.

El efecto del amor en la humanidad es abundante y creo que a veces lo olvidamos. Sin importar raza, género, religión o indiferencia, a todos nos une un hilo conductor: la pasión y el amor.

Centrado en la calidez que trae el amor, Halcyon Hearts nos lleva en un viaje inesperado para encontrar el amor. Si bien este amor puede resultar romántico para algunos, para mí se trata del momento en que alguien encuentra su pasión. Usando colores, energía natural y pasión, creé un sonido de ambición para el conjunto.

Quiero dedicar esta pieza a quienes aman a toda la humanidad, sin importar la negatividad que los rodee. Que el amor sea amor y elígelo siempre; cuando lo hagas, llegarán los días felices.

———————————————————————————-

Katahj Copley (él), oriundo de Georgia, estrenó su primera obra, Spectra, en 2017 y no ha parado de componer desde entonces. Hasta la fecha, ha escrito más de 100 obras, incluyendo piezas para conjuntos de cámara, conjuntos de viento y orquesta. Sus composiciones han sido interpretadas y comisionadas por universidades, organizaciones y conjuntos profesionales, como los Cavaliers Brass, la Asociación de Directores de Banda de California, el Dúo Admiral Launch y la Banda de la Marina "The President's Own". Katahj también ha recibido elogios de la crítica internacional, con piezas interpretadas en Canadá, el Reino Unido, Japón, China y Australia.

Katahj obtuvo dos licenciaturas en Música por la Universidad de West Georgia en Educación Musical y Composición en 2021. En 2023, obtuvo su maestría en Composición Musical por la Universidad de Texas en Austin, donde estudió con Omar Thomas y Yevgeniy Sharlat. Actualmente estudia composición musical en la Universidad Estatal de Michigan.

Además de componer, Katahj es un educador entusiasta que enseña a jóvenes músicos la alegría de descubrir la música y por qué es un lenguaje extraordinario.

Dice:

“Para mí, la música siempre ha sido un elemento clave en mi vida. Puede calmar, enfurecer, calmar y evocar emociones que me superan y me superan en este mundo. Creo que la música es la fuente suprema de libertad e imaginación. La mayor libertad que he tenido como músico ha sido a través de la composición. Componer es como abrir mi corazón y mostrarle al mundo mi ímpetu, mi pasión y mi alma”.

Escucha:

• Un pulso vibrante bajo una melodía triunfal

• Amplio uso de acordes de séptima mayor

Variaciones sobre un tema de Robert Schumann (Granjero feliz) (1968)
Variations On a Theme of Robert Schumann (Happy Farmer)
Robert Jager (n. 1939)

Nota del programa del compositor:

Las Variaciones sobre un tema de Robert Schumann fueron escritas por encargo para la Banda de la Escuela Secundaria North Hills en Pittsburgh, Pensilvania. Fue estrenada por este excelente conjunto y su excelente director, Warren Mercer, en la reunión de la Conferencia Nacional de Educadores Musicales de la Región Este de 1969 en Washington, D.C.

El tema es El Granjero Feliz, y las variaciones se desarrollan una tras otra a lo largo de la obra, utilizando relaciones rítmicas, melódicas e interválicas como base de su variación. La estructura básica es la siguiente:

Tema: El Granjero Feliz (también conocida como la "Polca de Alas Rojas").

• Tema: Moderato Semplice

• Variación I: L'istesso Tempo

• Variación II: Allegro Vivace

• Variación III: Andante Sostenuto

• Variación IV: Presto

• Variación V: Andante Sostenuto

• Variación VI: Allegro con Brio

———————————————————————————

“El Granjero Feliz” forma parte del Álbum para los Jóvenes, compuesto por Robert Schumann en 1848 para sus tres hijas. Fue escrito pensando en una joven estudiante de piano. La canción ha cobrado gran popularidad tras su participación destacada en las bandas sonoras de El Mago de Oz y Shrek.

Jager nació en Binghamton, Nueva York, el 25 de agosto de 1939. De 1962 a 1965, fue arreglista y compositor de la Escuela de Música de las Fuerzas Armadas de la Marina de los Estados Unidos. Completó sus estudios y se graduó de la Universidad de Michigan en 1968. Posteriormente, fue profesor de composición y dirección en la Universidad Old Dominion de Norfolk, Virginia. En 1971, dejó la Universidad Old Dominion para convertirse en profesor en la Universidad Tecnológica de Tennessee en Cookeville, Tennessee, de la que se jubiló en 2001.

A lo largo de su carrera, Jager ha recibido numerosos reconocimientos por sus obras, incluyendo ser el único tres veces ganador del Premio de Composición Ostwald de la Asociación Americana de Directores de Banda (1964, 1968, 1972).

Escuchar:

• Tema: Presentado con tono lastimero por el saxofón alto.

• Variación I. Solista con la ayuda del contrapunto de los trombones y el flautín. Una fuga de estilo clásico.

• Variación II. Composición para flauta a 4 voces con puntuación de metales y un solo de tuba agudo.

• Variación III. Solos de corno inglés y oboe con armonización del siglo XX.

• Variación IV. Una agresiva variación de metales con un trasfondo cromático.

• Variación V. Una rapsodia jazzística para saxofón.

• Variación VI. Un espectáculo caótico con banda completa.

Danza Bacanal (de Sansón y Dalila) (1877)
Danse Bacchanale (from Samson and Delilah) (1877)
Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Arreglos de Leigh D. Steiger

La ópera Sansón y Dalila se basa en la historia del Antiguo Testamento de Sansón, un hombre fuerte cuyo secreto reside en su larga cabellera sin cortar, y su amor por Dalila, la mujer que lo seduce, descubre su secreto y luego lo traiciona a los filisteos. La Bacanal, llamada así por Baco, el dios griego del jolgorio, que da inicio al tercer acto, es una danza salvaje y sensual que Dalila, junto con otras mujeres, utiliza para seducir a Sansón.

En 1949, Cecil B. DeMille produjo y dirigió una película basada en Sansón y Dalila. La película fue elogiada por su cinematografía en Technicolor, vestuario, escenografía, innovadores efectos especiales y las actuaciones de Hedy Lamarr, Victor Mature y Angela Lansbury. Un éxito comercial rotundo, se convirtió en la película más taquillera de 1950 y la tercera más taquillera de la historia en el momento de su estreno. De sus cinco nominaciones al Óscar, la película ganó dos a Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario.

El prodigioso talento de Saint-Saëns fue reconocido a temprana edad. Demostró un oído absoluto y disfrutaba tocando melodías al piano. Su tía abuela le enseñó los fundamentos del piano, y a los siete años se convirtió en alumno de Camille-Marie Stamaty. Stamaty exigía a sus alumnos que tocaran apoyando los antebrazos en una barra situada delante del teclado, de modo que toda la fuerza del pianista provenía de las manos y los dedos en lugar de los brazos, lo que, como Saint-Saëns escribió más tarde, constituía un buen entrenamiento. Clémence Saint-Saëns, consciente del precoz talento de su hijo, no quería que se hiciera famoso demasiado joven. El crítico musical Harold C. Schonberg escribió sobre Saint-Saëns en 1969: «No se suele reconocer que fue el niño prodigio más notable de la historia, y eso incluye a Mozart».

Pasó la mayor parte de su vida en París, aunque viajó mucho para actuar y dirigir.

Escucha:

• Solos de oboe exóticos con escalas de Oriente Medio

• Una parte rítmica de timbales que impulsa a la banda

• Una sección a cámara lenta que suspende temporalmente el ritmo intenso

• Un final con las trompas al frente

Sinfonietta (para conjunto de viento) (2024)
Sinfonietta (for Wind Ensemble) (2024)
Ryan Fillinger (n. 2001)

I. Lentamente, reflexivamente
II. Rápidamente, con energía

Nota del programa del compositor:

Inicialmente, los bocetos para esta obra me llevaron a titularla Sinfonía n.º 2, «Petite», considerando la naturaleza dramática y el desarrollo sinfónico de la música. El subtítulo «petite» se refería al número limitado de movimientos (solo dos) y a su corta duración de tan solo diez minutos. Pero a medida que la pieza se consolidaba en su estructura y ritmo, me sentí cada vez más insatisfecho con el título; simplemente no me parecía una verdadera obra sinfónica. Tras meditarlo detenidamente, finalmente me decidí por un nuevo título: Sinfonietta, que literalmente significa «sinfonía corta»… un título mucho más relevante y completo, creo.

Sinfonietta, para conjunto de viento, se estructura en dos movimientos: el primero, «Lentamente, reflexivamente», se inspira en la serenidad del movimiento central del Concierto para piano en sol mayor de Ravel, con una melodía continua, igualmente extensa y melancólica, que solo se repite dos veces a lo largo del movimiento. El segundo movimiento, «Rápidamente, con energía», cambia de ritmo inmediatamente con un repentino estallido de energía hacia adelante y mantiene su ritmo a lo largo de su forma de rondó modificada hasta el último compás.

———————————————————————————-

Ryan Fillinger es un compositor nacido en Oregón que compone música para conjuntos de viento, orquesta y cámara. Sus obras fusionan estilos de los siglos XVIII, XIX y XX con técnicas modernas e instrumentación contemporánea. Actualmente, Ryan estudia composición y dirección de orquesta de viento en la Universidad del Norte de Texas (UNT), donde ha estudiado con el Dr. Sungji Hong, la Dra. Kirsten Soriano y el compositor de cine Bruce Broughton.

Ryan ha recibido numerosos premios y reconocimientos, lo que demuestra su creciente popularidad como compositor emergente. En 2024, ganó el Concurso de Composición de Bandas de la Asociación Nacional de Bandas/Merrill Jones Memorial y obtuvo el primer premio en el Concurso de Composición de Bandas Sinfónicas de Pensilvania. También fue finalista en los Premios Morton Gould para Jóvenes Compositores de la ASCAP 2022. Ryan ha recibido interpretaciones del Conjunto de Viento de la Universidad Wilfrid Laurier, el Cuarteto de Saxofones de UConn, la Banda de la Real Fuerza Aérea Australiana, la Orquesta Sinfónica de Viento de Pensilvania y conjuntos de la UNT, como la Orquesta de Viento, el Conjunto de Viento, la Banda de Conciertos y la Orquesta Sinfónica. Ryan también colabora frecuentemente con conjuntos de cámara de estudiantes y profesores de la UNT para producir nuevas y emocionantes obras de cámara.

La pasión y dedicación de Ryan como compositor le han valido el reconocimiento de muchos, quienes lo consideran "uno de los compositores jóvenes más prometedores de su generación", y "cuya voz fresca sin duda creará una maravillosa nueva incorporación al repertorio de las bandas de viento". (Banda Sinfónica de Austin)

Escuchar:

• Mvmt. I

  • Una colorida paleta de intervalos abiertos en la apertura

  • Solos de saxofón alto, corno inglés y fliscorno

  • Un flujo y reflujo de contraste dinámico

  • Melodía que florece suavemente

• Mvmt. II

  • Un ritmo penetrante de negras y corcheas con puntillo

  • Un vaivén entre un motivo atrevido y una respuesta lírica

  • Un final triunfal

Adoración (1951)
Adoration (1951)
Florence B. Price (1887-1953)
Transcripción de Cheldon R. Williams

Nota del programa de Michael-Thomas Foumai:

Con el redescubrimiento de la música de Florence Price en 2009, su legado, compuesto por manuscritos, cartas y objetos personales, fue descubierto en su casa de verano abandonada a las afueras de St. Anne, Illinois. Su vida, investigada exhaustivamente por el musicólogo Douglas Shadle, reveló que era una prolífica compositora de obras para teclado, cámara y orquesta, incluyendo dos conciertos para violín, además de maestra, madre y participante activa en la Asociación Nacional de Músicos Negros (NANM) y la Federación Nacional de Clubes de Música.

Nacida en Little Rock, Arkansas, Price fue una de tres hijos en una familia birracial. Su padre era el único dentista afroamericano de la ciudad y su madre, profesora de música local. Al parecer, la familia era muy respetada en la comunidad. Florence comenzó sus estudios musicales con su madre, ofreciendo su primer recital de piano a los cuatro años y publicando su primera composición a los once. Se graduó con las mejores calificaciones de su escuela católica local a los catorce años. Un año después, en 1902, se mudó a Boston para matricularse en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, donde cursó una doble especialización en enseñanza de órgano y piano. Se graduó con honores en 1906, con un diploma de artista y un certificado de enseñanza. Tenía solo 19 años en ese momento. Regresó a Arkansas en 1910 antes de mudarse a Atlanta, donde aceptó un trabajo como jefa del departamento de música en la Universidad Clark Atlanta, una universidad históricamente afroamericana. Dos años después, se casó con el abogado Thomas J. Price, dejó su trabajo y regresó a Little Rock, donde su esposo ejercía la abogacía y ella crio a sus dos hijas. Para entonces, sin embargo, las leyes de Jim Crow habían consumido la región y Little Rock estaba segregada racialmente. Las ventajas de las que había disfrutado años antes ya no existían; no pudo encontrar ningún trabajo significativo en la zona.

Price enfrentó muchos desafíos para forjarse una carrera entre los titanes masculinos, mayoritariamente blancos, de la época. En 1943, al escribirle al director de orquesta Serge Koussevitzky, se presentó así: «Mi querido Dr. Koussevitzky: Para empezar, tengo dos desventajas: la sexualidad y la raza. Soy mujer; y tengo sangre negra en las venas». Su obra, principalmente de estilo romántico, sería ignorada por muchos, incluyendo a Koussevitzky, pero ella perseveró. La interpretación de su Sinfonía en Mi menor con la Orquesta Sinfónica de Chicago en 1933 marcó la primera vez que una gran orquesta interpretó música compuesta por una mujer afroamericana.

Compuesta dos años antes de su muerte, la Adoración de Price es originalmente para órgano y cuenta con arreglos para violín solo y cuerdas de Jim Gray. Como sugiere el título, esta breve obra de tres minutos transmite una devoción sagrada común en la himnodia litúrgica.

Escucha:

• Una canción de cuna sencilla y de desarrollo lento.

Showboat (Selecciones del musical de 1927)
Showboat (Selections from the 1927 musical)
Letra y libreto de Oscar Hammerstein II (1895-1960)
Música de Jerome Kern (1888-1945)
Arreglos de Clifton Jones

Nota del programa de Dave Kopplin:

La escritora Edna Ferber, ganadora del Premio Pulitzer y autora de la novela Show Boat (1926), no veía con buenos ojos la idea de una adaptación musical de su libro. De hecho, expresó serias reservas sobre su adaptación al escenario musical; los musicales de Broadway posteriores a la Primera Guerra Mundial habían estado "apesando de monotonía y monotonía", según Stanley Green, autor de Broadway Musicals, Show by Show. A Ferber le preocupaba que su historia recibiera el mismo tratamiento superficial y frívolo tan popular en las revistas y óperas ligeras de la época.

Fue el compositor Jerome Kern quien la convenció de lo contrario. Él y el letrista Oscar Hammerstein II acordaron escribir un nuevo tipo de espectáculo, uno que cambiaría para siempre la faz de los musicales estadounidenses. Kern le aseguró que él y Hammerstein se concentrarían en dar vida a la compleja historia de Ferber en la música, una trama que incluía elementos dramáticos hasta entonces inexplorados en el teatro musical, especialmente el racismo y la infidelidad. El espectáculo de Kern y Hammerstein no sería un musical más; sería un drama con música.

Show Boat era todo lo que esperaban crear y mucho más.

En primer lugar, Show Boat estaba lleno de grandes melodías, melodías con letras que capturaban e impulsaban el dramatismo especial de la historia, ninguna más poderosa que "Ol' Man River".

"Debo desmoronarme y confesar", dijo Edna Ferber, "que soy de esas personas cuya mirada se vuelve soñadora y cuya boca se llena de sonrisas melancólicas cada vez que la orquesta —cualquier orquesta— toca 'Ol' Man River'… Nunca me he cansado de ella… y considero que la letra de 'Ol' Man River' de Oscar Hammerstein es poderosa, conmovedora, trágica y verdadera".

Cuando Kern tocó y cantó la canción por primera vez para Ferber, quedó abrumada: "Te doy mi palabra, se me erizaron los pelos, se me llenaron los ojos de lágrimas, respiré como una heroína en un melodrama. Era música magnífica. Era música que sobreviviría a los días de Jerome Kern y a los míos". La melodía sigue siendo poderosa: incluso en nuestros días, cuando la idea de la esclavitud y la servidumbre por contrato parece una reliquia del pasado, la ambientación, la melodía y la letra nos recuerdan que muchas personas aún luchan contra la pobreza y el racismo.

Abundan las melodías memorables en el espectáculo. "Can't Help Lovin' That Man", una canción que describe la devoción inquebrantable de una mujer por su hombre incluso ante una flagrante falta de carácter, fue otra de las favoritas del espectáculo. Otras canciones incluyen "Make Believe", "Bill", "Cotton Blossom" y "¿Why Do I Love You?", por mencionar algunas.

Las grandes melodías no fueron lo único que convirtió a este musical en un clásico. Antes de Show Boat, los musicales solían ser simplemente una mezcla de canciones y números de baile. A veces, las melodías apenas se relacionaban entre sí y los espectáculos solían tener tramas endebles o inexistentes.

Según la mayoría de los estudiosos del teatro, marcó la llegada del musical moderno. El estudioso del teatro Geoffrey Block, autor de Enchanted Evenings: The Broadway Musical from Show Boat to Sondheim, destacó la "integración sin precedentes de música y drama, sus personajes tridimensionales y su temática audaz y seria" de la obra. Richard Kislan declaró que el libreto de Hammerstein para Show Boat "presentó al público por primera vez las preocupaciones humanas y morales que se convertirían en el núcleo del musical perdurable".

El tratamiento de los afroamericanos en el teatro musical reflejaba el pensamiento predominante de la época: "Casi sin excepción, el teatro estadounidense había tratado a la persona negra como un personaje cómico del género del tonto, el payaso o… el simplón", escribió Kislan. Esta historia era diferente; Show Boat retrató la difícil situación de los estadounidenses negros con empatía, e incluso abordó abiertamente el tema del matrimonio "mestizo" de Julie, aún ilegal en muchos estados en la época en que se escribió el musical. Las llamadas leyes de mestizaje fueron ratificadas por la Corte Suprema de Estados Unidos en Pace v. Alabama (1883) y no fueron revocadas hasta Loving v. Virginia (1967), cuando 16 estados aún contaban con dichas leyes.

La música de Jerome Kern para Show Boat ha cosechado los mayores elogios a lo largo de los años. A saber:

"En Show Boat… la música de Kern realza inconmensurablemente el valor emocional de la situación… Los temas se desarrollan y citan de forma casi wagneriana", escribió Robert Simeon en Modern Music. Otros críticos coincidieron. Arthur B. Waters escribió en el Philadelphia Public Ledger:

No estamos seguros de a quién corresponde otorgar los máximos honores, pero, sin duda, el Sr. Kern merece la primera mención… No conocemos ningún musical en los últimos años… que tenga una partitura tan uniformemente alta.

Otros, como Geoffrey Block, se detallan demostrando la destreza del compositor en el manejo de los leitmotivs, un término acuñado para describir la forma en que los compositores de ópera —en particular, el compositor de "altas artes" Richard Wagner— utilizan y reutilizan pequeños fragmentos de música para lograr un efecto dramático.

La destreza compositiva necesaria para crear una obra maestra musical tan inconfundible como Show Boat hace que las distinciones entre "arte elevado" y "arte popular" parezcan injustificadas: es música de primer orden.

Aunque Show Boat ha recibido numerosos elogios a lo largo de los años, un aspecto del espectáculo ha sido objeto de críticas: el libreto. El director de orquesta de Broadway Lehman Engel (1910-1982), a quien algunos afirman que sabía más que nadie sobre teatro musical estadounidense, mientras que otros lo tachan de viejo cascarrabias y enojado, consideró que el libro no estaba a la altura del resto de la obra.

"Su desarrollo argumental es predecible y cursi, y su final insoportablemente dulce", escribió Engel sobre Show Boat. Se dice que incluso el propio Oscar Hammerstein II tuvo dudas sobre el final de la obra. Miles Kreuger, autor de Show Boat: La historia de un musical clásico estadounidense, señala que «como una concesión a las convenciones teatrales de la época, Hammerstein mantuvo a todos con vida al final e incluso organizó un feliz reencuentro para los amantes, separados desde hacía tiempo, decisiones que, según reveló a este escritor, llegó a lamentar».

Sin embargo, podría argumentarse que el final de Show Boat —el final original imaginado en 1927— fue bastante ambiguo. Un reencuentro entre Magnolia y Ravenal parece una historia razonable considerando que tienen una hija juntos, aunque después de 15 años de ausencia, solo el romántico más empedernido puede imaginar una reconciliación completa.

Show Boat destaca por algo más, algo fuera de lo común en los musicales de Broadway. Hay muchas versiones de la obra, pero ninguna producción «definitiva» que parezca haber eclipsado a todas las demás. Ha sido rehecha y reestrenada en numerosas ocasiones: en 1932, 1946, 1966, 1971, 1983 y 1994, siendo esta última la más taquillera de todas. La versión de 1946, en particular, adoptó un tono más ligero que las anteriores. Además, las adaptaciones cinematográficas —una versión muda de 1929 (con un prólogo cantado por el elenco) y las sonoras de 1936 y 1951— son todas diferentes, y la película de 1951 se inspiró en la producción teatral de 1946 y se alejó aún más del original.

La música y la historia de Show Boat se acercan más a la historia y la música que se habrían visto en la producción de Broadway de 1927, con dos importantes melodías adicionales: un dueto entre Queenie y Joe, que apareció por primera vez en la reposición de 1932 ("Ah Still Suits Me"); y la canción de Kim, "Nobody Else But Me", la última canción que Jerome Kern escribió en vida, una melodía que creó para el reestreno de 1946 y que nunca llegaría a escuchar.

Como una epopeya atemporal como Beowulf o una obra de William Shakespeare, Show Boat puede reinterpretarse sin alterar su esencia. Esta flexibilidad no hace más que fortalecerla, volviéndola nueva y relevante para las generaciones venideras.

———————————————————————————-

Clif Jones, miembro de la sección de clarinetes de la Banda Sinfónica de Austin desde hace muchos años, es un maestro de la música de banda. Su enfoque fresco y sus armonías imaginativas revitalizan estas melodías clásicas.

Escucha:

Las melodías (en este orden)

• Cotton Blossom

• Bill

• Make Believe

• Life Upon the Wicked Stage

• Can’t Help Lovin’ That Man

• Ol’ Man River

La Danza de los Bufones (1873)
Dance of the Jesters (1873)
Peter Ilich Tchaikovsky (1840-1893)
Transcrito por Ray E. Cramer

Nota del programa de Ray Cramer:

La Danza de los Bufones es un ejemplo perfecto del profundo sentido del nacionalismo musical de Tchaikovsky. Compuesta originalmente como música incidental para el ballet La Doncella de las Nieves, la danza captura para siempre el color y el entusiasmo de la música folclórica rusa. El ballet sobre La Doncella de las Nieves, hija de Papá Noel, narra su amor prohibido con un ser humano, Misgir, quien ya está comprometido con Coupava. La Doncella de las Nieves lo sigue hacia el sur con la intención de interrumpir su boda, pero trágicamente se derrite bajo los rayos del sol austral.

Al conocer a Nikolai Rimsky-Korsakov en 1868, Chaikovski renovó su profundo sentido del nacionalismo musical. Inspirado por el maestro compositor, el estilo compositivo de Tchaikovsky capturaría para siempre el color y el entusiasmo de la danza y la música folclórica rusa. La ráfaga, la energía y las melodías alegres asociadas con sus partituras de ballet se escuchan en esta música excepcional y vigorizante. Esta edición proviene de un arreglo del ballet La doncella de las nieves, transcrito originalmente para una banda militar rusa.

Curiosidades de Tchaikovsky:

• Tenía solo cuatro años cuando comenzó a componer.

• Al igual que Beethoven y Mahler, a Tchaikovsky le gustaba dar un paseo de dos horas todos los días. Si regresaba incluso un minuto antes, creía que le aguardaba una gran desgracia.

• Le gustaba recoger setas.

• Gran admirador de Shakespeare, escribió piezas inspiradas en Hamlet, La tempestad y Romeo y Julieta.

• Mientras componía Eugenio Oneguin, su admiradora y estudiante, Antonina Ivanovna Milioukova, le escribió para expresarle su amor. Al principio, él la rechazó, pero un mes después se casaron y seis semanas después se separaron.

Escucha:

• Un vago flujo de notas extremadamente rápido y ligero intercalado con filigranas de instrumentos de viento y solos de trompeta.

Return to Program page.