Austin Symphonic Band

“Lest We Forget”
January 19, 2025

 NOTAS DEL PROGRAMA

Colonel Bogey March (1914)
Kenneth J. Alford (1881-1945)
Organizado por Andrew Glover

Nota del programa de la United States Marine Band:

Compuesta en 1913 y publicada por primera vez en 1914, “Colonel Bogey” fue un éxito instantáneo, convirtiéndose en un éxito de ventas en las “listas” de partituras al vender más de un millón de copias a principios de la década de 1930. Además, la marcha ganó exposición y popularidad en todo el mundo cuando se presentó como tema musical de The Bridge on the River Kwai, una película ganadora del Oscar que se ambienta durante la Segunda Guerra Mundial. Oportunamente, el compositor Kenneth J. Alford tenía una amplia experiencia militar. Alford era en realidad el seudónimo del Mayor F.J. Ricketts, Director de Música de los Royal Marines en Plymouth (Reino Unido). Con fluidez en la corneta, el piano y el órgano, Ricketts también había servido como director de banda en la Royal Military School of Music, y más tarde dirigió la banda del Segundo Batallón Argyll and Sutherland Highlanders, un regimiento de infantería del Ejército británico. La inspiración para la marcha y su divertido título surgió de la experiencia del compositor jugando al golf con un excéntrico coronel que, en lugar de gritar el habitual “¡Adelante!” después de un tiro errado, daba la advertencia silbando. Aunque “El coronel Bogey” resultó ser su composición más famosa, Ricketts también escribió y publicó himnos, fantasías, solos para xilófono y piano y muchos arreglos clásicos y operísticos bajo el apellido de soltera de su madre. En última instancia, fue su talento para escribir marchas lo que le valió el apodo de “El rey de las marchas británicas”.

Escuche:

• La tercera menor descendente que indica un tiro de golf errado

• Una alegre y danzante contramelodía de bombardino

Suite Francaise (1944)
Darius Milhaud (1892-1974)

I. Normandie
III. Ile de France
IV. Alsace-Lorraine
V. Provence

Nota del programa de Darius Milhaud:

Durante mucho tiempo tuve la idea de escribir una composición adecuada para la enseñanza secundaria, y este fue el resultado. En las bandas, orquestas y coros de las escuelas secundarias, colegios y universidades estadounidenses, donde se encuentran los jóvenes de la nación, es obvio que necesitan música de su tiempo, no demasiado difícil de interpretar, pero que, sin embargo, conserve el idioma característico del compositor.

Las cinco partes de esta suite llevan el nombre de las provincias francesas, las mismas en las que los ejércitos estadounidense y aliado lucharon junto con la clandestinidad francesa por la liberación de mi país: Normandía, Isla de Francia (cuyo centro es París), Alsacia-Lorena y Provenza (mi lugar de nacimiento).

Utilicé algunas melodías populares de esas provincias. Quería que los jóvenes estadounidenses escucharan las melodías populares de aquellas partes de Francia donde sus padres y hermanos lucharon para derrotar a los invasores alemanes, quienes en menos de setenta años han traído guerra, destrucción, crueldad, tortura y asesinato tres veces al pacífico y democrático pueblo de Francia.

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I. Normandie: Milhaud utiliza dos animadas canciones populares normandas: Germaine, sobre un guerrero que vuelve a casa visto a través de los ojos de una mujer joven; y La pastora francesa y el rey de Inglaterra, sobre un encuentro cómico entre los dos personajes principales. Milhaud agregó algo de material original para ayudarlo a representar la región donde tantos militares estadounidenses desembarcaron en Francia durante la Segunda Guerra Mundial.

III. Île de France: Este movimiento, con una alegre canción popular, refleja el bullicio de París. Comienza con una ronda infantil que alterna compases de 3 y 2 tiempos, y que Milhaud pone en 4 tiempos conservando los acentos del original. La melodía lírica que sigue también refleja la actitud alegre de la Ciudad de la Luz.

IV. Alsacia-Lorena: Aquí Milhaud toma un giro oscuro, con material que sugiere fuego de artillería distante alrededor de una procesión fúnebre solemne, apropiado para una región que limita con Alemania y que fue tomada durante la guerra.

V. Provenza: Reflexionando sobre su región natal, Milhaud utiliza un rondó con un tema principal rápido y desorganizado, alternando con un segmento de pífano y tambor típico de la campiña de las provincias francesas y un tema más lento, ligeramente más romántico; ambos interludios derivados de la melodía principal.

Escuche:

• Melodías simples pero impredecibles

• Capas complejas de contrapunto

• Una melancólica banda sonora al estilo Satie

Commando March (1943)
Samuel Barber (1910-1981)
Editado por R. Anderson Collinsworth

Nota del programa de la Banda Universitaria de la Universidad del Norte de Texas:

Commando March no sólo fue la primera obra de Barber para banda de viento, sino también su primera obra posterior a su ingreso en el ejército. No existe documentación que indique que se le encomendó formalmente o que recibió una orden militar directa; más bien parece que Barber se inspiró para componer para las bandas militares con las que debió haber entrado en contacto durante su formación básica. A pesar de su gran instrumentación, Barber a menudo se refería a la obra en sus cartas como su “pequeña marcha”. Frederick Fennell describió en una ocasión la música como la representación de “un nuevo tipo de soldado, uno que no marchaba en línea recta”, sino que “atacaba sigilosamente con velocidad, desapareciendo tan rápido como llegaba”.

El estreno lo realizó la Banda de Entrenamiento Técnico del Comando de las Fuerzas Aéreas del Ejército, bajo la dirección del suboficial Robert L. Landers, el 23 de mayo de 1943 en Atlantic City, Nueva Jersey. Como sucedió con muchas de las obras anteriores de Barber, Commando March fue inmediatamente bien recibida por el público. Tras su estreno, el propio Barber dirigió la Banda Goldman en varias interpretaciones en julio de 1943. Incluso adaptó la obra para orquesta a petición de Serge Koussevitzky, quien dirigió la primera interpretación de esta partitura con la Orquesta Sinfónica de Boston el 29 de octubre de 1943.

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Samuel Barber, oriundo de Pensilvania, se destacó por el lirismo, la complejidad rítmica, la riqueza armónica y el romanticismo de su música, y se lo considera uno de los grandes compositores estadounidenses del siglo XX. Fue un niño prodigio que se formó en el Instituto Curtis cuando era adolescente y ganó numerosos premios por sus composiciones, entre ellos el Prix de Rome, dos premios Pulitzer, una beca Guggenheim y la membresía en la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras. Es más conocido por su Adagio para cuerdas , su pieza para soprano y orquesta Knoxville: Summer of 1915 y muchas otras obras orquestales y operísticas.

Escuche:

• Una melodía sigilosa introducida primero en los clarinetes, luego transmitida a través de las cañas más bajas hasta el bombardino.

• Un ritmo subyacente basado en tresillos en contraste con la melodía subdividida en dosillos.

• Técnicas como el uso de escalas de tonos enteros y armonizaciones mediante acordes aumentados y disminuidos.

• Técnicas de jazz como glissandi de trombón y flutter tonging

The Homefront: Musical Memories from World War II (1995)
Arreglos de James Christensen (1935–2020)

Ha pasado mucho, mucho tiempo — Jule Styne / Sammy Cahn
Gracias por el recuerdo — Ralph Rainger / Leo Robin
Pantalones acampanados — Sea Shanty
Los acantilados blancos de Dover — Walter Kent / Nat Burton
Te veré — Sammy Fain / Irving Kahal
No te sientes debajo del manzano con nadie más que conmigo — Sam Stept
Alabado sea el Señor y pasa las municiones — Frank Loesser

De la oscuridad de la guerra, muchas canciones clásicas llegaron a las máquinas de discos de Estados Unidos para difundir esperanza entre los patriotas cansados ​​de las noticias. Grupos como Andrews Sisters, Glenn Miller's Band, Kay Kyser “Kollege of Musical Knowledge” y la Harry James Orchestra reforzaron el espíritu de soldados y civiles con estas melodías.

Escuche:

• Composición de Big Band con nuestra sección de saxofones

• Baladas conmovedoras que evocan recuerdos del hogar

Victory at Sea - Symphonic Scenario (1954)
Richard Rodgers (1902-1979)
Transcrito para banda por Robert Russell Bennett (1894-1981)

Nota del programa adaptada de Wikipedia y Notas del programa para banda:

La serie documental de televisión sobre la guerra naval durante la Segunda Guerra Mundial titulada Victory at Sea fue emitida originalmente por la NBC en los Estados Unidos en 1952 y 1953. Fue condensada en una película en 1954. Extractos de la banda sonora, de Richard Rodgers y Robert Russell Bennett, fueron regrabados y vendidos como álbumes de discos. La serie, que ganó un premio Emmy en 1954 como "mejor programa de asuntos públicos", jugó un papel importante en el establecimiento de los documentales históricos de "recopilación" como un género televisivo viable.

La revista The New Yorker describe la música como “una creación aparentemente interminable, a veces marcial, a veces tremendamente conmovedora”. El alcance sinfónico de la partitura de Rodgers captura los estados de ánimo y las variaciones de la guerra panorámica en el mar en todo su terror y belleza, y agrega una dimensión emocional elusiva que ni la cámara ni las palabras logran transmitir.

La música de Rodgers se ve enriquecida en gran medida por los arreglos completos de su colaborador de muchos años, Robert Russell Bennett. Bennett transformó 12 de los 24 “temas” de Rodgers ( Canción de alta mar (tema principal), Submarinos en un mar en calma, Bajo la cruz del sur, La marcha de Guadalcanal, Las soleadas islas del Pacífico, El enemigo que se acerca, Muerte y escombros, El himno de la victoria, Gran ola ) en el escenario sinfónico actual. Bennett también compuso mucho más material original que Rodgers, por el que recibió poco crédito.

Escuche por :

• Instrumentos de viento de madera ondulantes que emulan el mar

• Sonidos que evocan imágenes de campanas de barcos y submarinos merodeando.

• El regreso del tema principal

Epilogue: “Lest We Forget” (1992)
Robert Jager (n. 1939)

Nota del editor sobre el programa:

No se trata de una obra de celebración, sino de música para conmemorar a las personas decentes que sufrieron la agonía de la Segunda Guerra Mundial y a quienes dieron su vida por la paz y la libertad. No es música fúnebre, sino un himno solemne al espíritu indomable de quienes fueron afectados por la tiranía y supieron superarla, tanto en vida como en la muerte. Son estas personas las que recordamos.

Epílogo: “Lest We Forget” fue un encargo de la Banda de Campaña del Ejército de los Estados Unidos, dirigida por el teniente coronel Jack Grogan. El estreno tuvo lugar en la Convención de la Asociación de Educadores Musicales de Kentucky en Louisville el 6 de febrero de 1992.

Escuche:

• Un enfoque pesado, dramático y wagnariano

• Líneas de trompa heroicas

• Indicios del toque de corneta “Taps” en los compases finales

The Stars and Stripes Forever (1896)
John Philip Sousa (1854-1932)

Con la posible excepción de “The Star Spangled Banner”, ninguna composición musical ha hecho más por despertar el espíritu patriótico de los Estados Unidos que esta, la composición más querida de John Philip Sousa. Simbólica del ondear la bandera en general, se ha utilizado con considerable eficacia para generar sentimiento patriótico desde su introducción en Filadelfia el 14 de mayo de 1897, cuando el serio Public Ledger informó: “Es lo suficientemente conmovedora como para despertar al águila americana de su peñasco y hacerla chillar exultante mientras lanza sus flechas a la aurora boreal”.

Aparte de esta florida reseña, la recepción de la marcha fue apenas superior a la media para una nueva marcha de Sousa. Poco a poco fue ganando aceptación entre el público y, con la llegada de la guerra hispanoamericana, la nación necesitó de repente una música tan patriótica. Aprovechando esta situación, Sousa la utilizó con el máximo efecto para culminar su conmovedor espectáculo, The Trooping of the Colors.

The Stars and Stripes Forever había encontrado su lugar en la historia. Hubo una respuesta vigorosa dondequiera que se interpretó, y el público comenzó a ponerse de pie como si fuera el himno nacional. Esto se convirtió en una tradición en los conciertos de la Banda Sousa. Era su práctica hacer que las cornetas, trompetas, trombones y flautines se alinearan en la parte delantera del escenario para el trío final, y esto agregó emoción. Muchas bandas todavía interpretan la pieza de esta manera.

Con el paso de los años, la marcha se ha ganado el cariño del pueblo estadounidense. Ver a Sousa dirigiendo a su propia gran banda en esta, su composición más gloriosa, siempre desató una respuesta emocional. Se esperaba la pieza (y a veces se exigía abiertamente) en cada concierto de la Sousa Band. Por lo general, se tocaba sin previo aviso como bis. Muchos exmiembros de la Sousa Band han declarado que no podían recordar un concierto en el que no se hubiera tocado, y que ellos también se sentían inspirados al mirar los ojos llorosos de los presentes en la audiencia. El hecho de que los músicos nunca se cansaran de ella es sin duda una medida de su grandeza.

Sousa hablaba con mucha emoción de su propio patriotismo. Cuando le preguntaban por qué había compuesto esta marcha, insistía en que sus acordes eran de inspiración divina. En un programa de la Banda Sousa en Willow Grove encontramos este relato:

Alguien preguntó: “¿Quién te influyó para componer The Stars and Stripes Forever? ”, y antes de que la pregunta fuera hecha, Sousa respondió: “Dios, y lo digo con todo respeto. Estaba en Europa y recibí un cablegrama que decía que mi manager había muerto. Estaba en Italia y deseaba llegar a casa lo antes posible. Me apresuré a Génova, luego a París e Inglaterra y navegué hacia América. A bordo del vapor, mientras caminaba kilómetros arriba y abajo de la cubierta, de ida y vuelta, una banda mental tocaba Stars and Stripes Forever . Día tras día, mientras caminaba, persistía en chocar contra mi alma. La escribí el día de Navidad de 1896”. La marcha no fue escrita a bordo del barco. Presumiblemente fue escrita en la suite del hotel de Sousa en Nueva York poco después de atracar.

En realidad, la composición nació de la nostalgia, como Sousa confesó abiertamente a los entrevistadores, y algunas de las líneas melódicas fueron concebidas mientras aún estaba en Europa. En una de esas entrevistas, declaró:

De una manera un tanto soñadora, solía pensar en los viejos tiempos en Washington, cuando era director de la banda de la Marina... cuando tocábamos en todas las funciones oficiales públicas, y podía ver la bandera de las barras y estrellas ondeando en el asta de la bandera en los jardines de la Casa Blanca con tanta claridad como si estuviera allí de nuevo. Entonces comencé a pensar en todos los países que había visitado, en la gente extranjera que había conocido, en la enorme diferencia entre Estados Unidos y el pueblo estadounidense y otros países y otros pueblos, y esa bandera nuestra se volvió glorificada... y para mi imaginación parecía ser la bandera más grande, más grandiosa, del mundo, y no podía volver a ponerme debajo de ella lo suficientemente rápido. Fue en este estado de ánimo impaciente e inquieto cuando me llegó la inspiración para componer 'The Stars and Stripes Forever', y para mi imaginación fue una inspiración genuina, irresistible, completa, definida, y no pude descansar hasta que terminé la composición. Entonces experimenté una maravillosa sensación de alivio y relajación. Estaba satisfecho, encantado, con mi trabajo después de que lo terminé. El sentimiento de impaciencia desapareció y me contenté con descansar en paz hasta que el barco atracó y estuve una vez más bajo los pliegues de la antigua y gran bandera de nuestro país.

El entrevistador añadió entonces este revelador postludio: “'¡Amén! a esos sentimientos', dije. Y cuando miré a John Philip Sousa había lágrimas en sus ojos”. Sousa explicó a la prensa que los tres temas del trío final tenían como objetivo representar las tres secciones de los Estados Unidos. La melodía amplia, o tema principal, representa el Norte. El Sur está representado por el famoso piccolo obbligato, y el Oeste por la audaz contramelodía de los trombones.

En casi cualquier estándar musical, “The Stars and Stripes Forever” es una obra maestra, incluso sin su significado patriótico. Pero en virtud de ese significado patriótico es, con mucho, la marcha más popular jamás escrita, y su popularidad no se limita de ninguna manera a los Estados Unidos. En el extranjero, siempre ha simbolizado a Estados Unidos. Se ha grabado con más frecuencia que prácticamente cualquier otra composición jamás escrita. Las ventas de la partitura por sí solas le reportaron a Sousa más de 400.000 dólares en vida; las emisiones de radio, las partituras y los discos fonográficos le reportaron a sus herederos sumas considerables durante muchos años. Después de que expiraran los derechos de autor en 1953, aparecieron más de cincuenta nuevos arreglos solo en los Estados Unidos. Al mirar atrás al asombroso éxito de la marcha, es difícil creer que el editor haya mostrado poca fe en ella y que incluso haya sugerido a Sousa que se eliminara “Forever” del título.

Sousa no afirmó que el título de su marcha fuera original. Pudo haberlo obtenido de una de dos maneras. En primer lugar, el brindis favorito del director de banda Patrick S. Gilmore era “¡Por ​​las estrellas y las rayas para siempre!”. Además, uno de los editores de Sousa había publicado anteriormente una pieza con el mismo título.

Sousa escribió las palabras de la marcha, evidentemente para usarlas en The Trooping of the Colours, su desfile de 1898. Las mismas aparecen impresas a continuación. Sin embargo, curiosamente se omitió una frase (“¡Muerte al enemigo!”), que según él le venía a la mente repetidamente mientras caminaba por las cubiertas del Teutonic.

¡Viva la bandera de los libres!
Que ondee como nuestro estandarte por siempre,
la joya de la tierra y del mar,
el estandarte de lo justo.

Que los déspotas recuerden el día
en que nuestros padres con poderoso esfuerzo
proclamaron mientras marchaban a la batalla
que por su poder y por su derecho ondearía para siempre.

Paul E. Bierley, The Works of John Philip Sousa (Westerville, Ohio: Integrity Press, 1984), 43. Usado con permiso.

La bandera estadounidense de 48 estrellas que se muestra sobre la banda es cortesía del National Museum of the Pacific War en Fredericksburg, Texas. Si bien se desconoce la historia de este estandarte en particular, se trata del diseño de 1912 que ondeó hasta 1959, lo que lo convierte en el diseño más utilizado en ese momento.

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