Austin Symphonic Band
¡Una celebración de John Williams!
A John Williams Celebration!
17 de mayo de 2025
NOTAS DEL PROGRAMA
Halcyon Hearts (2021, revisado en 2023)
Katahj Copley (n. 1998)
Katahj Copley
Nota del programa del compositor:
El amor no se deleita en la maldad,
sino que se regocija con la verdad.
Siempre te protegerá, confiará,
esperará y perseverará por ti.
El amor nunca falla.
El efecto del amor en la humanidad es abundante y creo que a veces lo olvidamos. Sin importar raza, género, religión o indiferencia, a todos nos une un hilo conductor: la pasión y el amor.
Centrado en la calidez que trae el amor, Halcyon Hearts nos lleva en un viaje inesperado para encontrar el amor. Si bien este amor puede resultar romántico para algunos, para mí se trata del momento en que alguien encuentra su pasión. Usando colores, energía natural y pasión, creé un sonido de ambición para el conjunto.
Quiero dedicar esta pieza a quienes aman a toda la humanidad, sin importar la negatividad que los rodee. Que el amor sea amor y elígelo siempre; cuando lo hagas, llegarán los días felices.
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Katahj Copley (él), oriundo de Georgia, estrenó su primera obra, Spectra, en 2017 y no ha parado de componer desde entonces. Hasta la fecha, ha escrito más de 100 obras, incluyendo piezas para conjuntos de cámara, conjuntos de viento y orquesta. Sus composiciones han sido interpretadas y comisionadas por universidades, organizaciones y conjuntos profesionales, como los Cavaliers Brass, la Asociación de Directores de Banda de California, el Dúo Admiral Launch y la Banda de la Marina "The President's Own". Katahj también ha recibido elogios de la crítica internacional, con piezas interpretadas en Canadá, el Reino Unido, Japón, China y Australia.
Katahj obtuvo dos licenciaturas en Música por la Universidad de West Georgia en Educación Musical y Composición en 2021. En 2023, obtuvo su maestría en Composición Musical por la Universidad de Texas en Austin, donde estudió con Omar Thomas y Yevgeniy Sharlat. Actualmente estudia composición musical en la Universidad Estatal de Michigan.
Además de componer, Katahj es un educador entusiasta que enseña a jóvenes músicos la alegría de descubrir la música y por qué es un lenguaje extraordinario.
Dice:
“Para mí, la música siempre ha sido un elemento clave en mi vida. Puede calmar, enfurecer, calmar y evocar emociones que me superan y me superan en este mundo. Creo que la música es la fuente suprema de libertad e imaginación. La mayor libertad que he tenido como músico ha sido a través de la composición. Componer es como abrir mi corazón y mostrarle al mundo mi ímpetu, mi pasión y mi alma”.
Escucha:
Un pulso vibrante bajo una melodía triunfal
Amplio uso de acordes de séptima mayor
Mitad de marzo (1976)
Midway March (1976)
John Williams (n. 1932)
Transcrito por Paul Lavender
Nota del programa de la Banda de Infantería de Marina:
El largometraje de 1976 Midway narra la increíble Batalla de Midway, que fue un punto de inflexión en el Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. Hasta esta posición crítica y victoria liderada por los marines estadounidenses, la Armada Imperial Japonesa había estado invicta en la batalla durante casi ochenta años. La película destacó la notable estrategia y el éxito estadounidense contra viento y marea con un elenco de estrellas que incluía a Charlton Heston, James Coburn y Henry Fonda, quien interpretó el papel del legendario almirante Chester Nimitz. Varias escenas de la película se rodaron con el USS Lexington, el último portaaviones de la clase Essex de la Segunda Guerra Mundial en servicio en el momento de la producción.
La película también empleó una mezcla de sonido especial llamada "Sensurround". Esta técnica temprana de envolver a la audiencia en la acción sonora de la película se utilizó en solo cuatro películas de la época y requirió la instalación de altavoces especiales en los cines donde se proyectaban. John Williams proporcionó la banda sonora dramática y visceral de la película. Williams acababa de ganar su primer Premio de la Academia por su banda sonora de Tiburón en 1974 y se estaba convirtiendo rápidamente en uno de los compositores más buscados de Hollywood en el momento del estreno de Midway. Justo después de su trabajo en esta película, compuso la ahora icónica música de la primera entrega de Star Wars.
Escuche:
Una digna declaración de clarinete sobre el tema principal
Un carrete contrapuntístico de alientos / percusión
Escritura heroica de cuerno
Showboat (Selecciones del musical de 1927)
Showboat (Selections from the 1927 musical)
Letra y libreto de Oscar Hammerstein II (1895-1960)
Música de Jerome Kern (1888-1945)
Arreglos de Clifton Jones
Nota del programa de Dave Kopplin:
La escritora Edna Ferber, ganadora del Premio Pulitzer y autora de la novela Show Boat (1926), no veía con buenos ojos la idea de una adaptación musical de su libro. De hecho, expresó serias reservas sobre su adaptación al escenario musical; los musicales de Broadway posteriores a la Primera Guerra Mundial habían estado "apesando de monotonía y monotonía", según Stanley Green, autor de Broadway Musicals, Show by Show. A Ferber le preocupaba que su historia recibiera el mismo tratamiento superficial y frívolo tan popular en las revistas y óperas ligeras de la época.
Fue el compositor Jerome Kern quien la convenció de lo contrario. Él y el letrista Oscar Hammerstein II acordaron escribir un nuevo tipo de espectáculo, uno que cambiaría para siempre la faz de los musicales estadounidenses. Kern le aseguró que él y Hammerstein se concentrarían en dar vida a la compleja historia de Ferber en la música, una trama que incluía elementos dramáticos hasta entonces inexplorados en el teatro musical, especialmente el racismo y la infidelidad. El espectáculo de Kern y Hammerstein no sería un musical más; sería un drama con música.
Show Boat era todo lo que esperaban crear y mucho más.
En primer lugar, Show Boat estaba lleno de grandes melodías, melodías con letras que capturaban e impulsaban el dramatismo especial de la historia, ninguna más poderosa que "Ol' Man River".
"Debo desmoronarme y confesar", dijo Edna Ferber, "que soy de esas personas cuya mirada se vuelve soñadora y cuya boca se llena de sonrisas melancólicas cada vez que la orquesta —cualquier orquesta— toca 'Ol' Man River'… Nunca me he cansado de ella… y considero que la letra de 'Ol' Man River' de Oscar Hammerstein es poderosa, conmovedora, trágica y verdadera".
Cuando Kern tocó y cantó la canción por primera vez para Ferber, quedó abrumada: "Te doy mi palabra, se me erizaron los pelos, se me llenaron los ojos de lágrimas, respiré como una heroína en un melodrama. Era música magnífica. Era música que sobreviviría a los días de Jerome Kern y a los míos". La melodía sigue siendo poderosa: incluso en nuestros días, cuando la idea de la esclavitud y la servidumbre por contrato parece una reliquia del pasado, la ambientación, la melodía y la letra nos recuerdan que muchas personas aún luchan contra la pobreza y el racismo.
Abundan las melodías memorables en el espectáculo. "Can't Help Lovin' That Man", una canción que describe la devoción inquebrantable de una mujer por su hombre incluso ante una flagrante falta de carácter, fue otra de las favoritas del espectáculo. Otras canciones incluyen "Make Believe", "Bill", "Cotton Blossom" y "¿Why Do I Love You?", por mencionar algunas.
Las grandes melodías no fueron lo único que convirtió a este musical en un clásico. Antes de Show Boat, los musicales solían ser simplemente una mezcla de canciones y números de baile. A veces, las melodías apenas se relacionaban entre sí y los espectáculos solían tener tramas endebles o inexistentes.
Según la mayoría de los estudiosos del teatro, marcó la llegada del musical moderno. El estudioso del teatro Geoffrey Block, autor de Enchanted Evenings: The Broadway Musical from Show Boat to Sondheim, destacó la "integración sin precedentes de música y drama, sus personajes tridimensionales y su temática audaz y seria" de la obra. Richard Kislan declaró que el libreto de Hammerstein para Show Boat "presentó al público por primera vez las preocupaciones humanas y morales que se convertirían en el núcleo del musical perdurable".
El tratamiento de los afroamericanos en el teatro musical reflejaba el pensamiento predominante de la época: "Casi sin excepción, el teatro estadounidense había tratado a la persona negra como un personaje cómico del género del tonto, el payaso o… el simplón", escribió Kislan. Esta historia era diferente; Show Boat retrató la difícil situación de los estadounidenses negros con empatía, e incluso abordó abiertamente el tema del matrimonio "mestizo" de Julie, aún ilegal en muchos estados en la época en que se escribió el musical. Las llamadas leyes de mestizaje fueron ratificadas por la Corte Suprema de Estados Unidos en Pace v. Alabama (1883) y no fueron revocadas hasta Loving v. Virginia (1967), cuando 16 estados aún contaban con dichas leyes.
La música de Jerome Kern para Show Boat ha cosechado los mayores elogios a lo largo de los años. A saber:
"En Show Boat… la música de Kern realza inconmensurablemente el valor emocional de la situación… Los temas se desarrollan y citan de forma casi wagneriana", escribió Robert Simeon en Modern Music. Otros críticos coincidieron. Arthur B. Waters escribió en el Philadelphia Public Ledger:
No estamos seguros de a quién corresponde otorgar los máximos honores, pero, sin duda, el Sr. Kern merece la primera mención… No conocemos ningún musical en los últimos años… que tenga una partitura tan uniformemente alta.
Otros, como Geoffrey Block, se detallan demostrando la destreza del compositor en el manejo de los leitmotivs, un término acuñado para describir la forma en que los compositores de ópera —en particular, el compositor de "altas artes" Richard Wagner— utilizan y reutilizan pequeños fragmentos de música para lograr un efecto dramático.
La destreza compositiva necesaria para crear una obra maestra musical tan inconfundible como Show Boat hace que las distinciones entre "arte elevado" y "arte popular" parezcan injustificadas: es música de primer orden.
Aunque Show Boat ha recibido numerosos elogios a lo largo de los años, un aspecto del espectáculo ha sido objeto de críticas: el libreto. El director de orquesta de Broadway Lehman Engel (1910-1982), a quien algunos afirman que sabía más que nadie sobre teatro musical estadounidense, mientras que otros lo tachan de viejo cascarrabias y enojado, consideró que el libro no estaba a la altura del resto de la obra.
"Su desarrollo argumental es predecible y cursi, y su final insoportablemente dulce", escribió Engel sobre Show Boat. Se dice que incluso el propio Oscar Hammerstein II tuvo dudas sobre el final de la obra. Miles Kreuger, autor de Show Boat: La historia de un musical clásico estadounidense, señala que «como una concesión a las convenciones teatrales de la época, Hammerstein mantuvo a todos con vida al final e incluso organizó un feliz reencuentro para los amantes, separados desde hacía tiempo, decisiones que, según reveló a este escritor, llegó a lamentar».
Sin embargo, podría argumentarse que el final de Show Boat —el final original imaginado en 1927— fue bastante ambiguo. Un reencuentro entre Magnolia y Ravenal parece una historia razonable considerando que tienen una hija juntos, aunque después de 15 años de ausencia, solo el romántico más empedernido puede imaginar una reconciliación completa.
Show Boat destaca por algo más, algo fuera de lo común en los musicales de Broadway. Hay muchas versiones de la obra, pero ninguna producción «definitiva» que parezca haber eclipsado a todas las demás. Ha sido rehecha y reestrenada en numerosas ocasiones: en 1932, 1946, 1966, 1971, 1983 y 1994, siendo esta última la más taquillera de todas. La versión de 1946, en particular, adoptó un tono más ligero que las anteriores. Además, las adaptaciones cinematográficas —una versión muda de 1929 (con un prólogo cantado por el elenco) y las sonoras de 1936 y 1951— son todas diferentes, y la película de 1951 se inspiró en la producción teatral de 1946 y se alejó aún más del original.
La música y la historia de Show Boat se acercan más a la historia y la música que se habrían visto en la producción de Broadway de 1927, con dos importantes melodías adicionales: un dueto entre Queenie y Joe, que apareció por primera vez en la reposición de 1932 ("Ah Still Suits Me"); y la canción de Kim, "Nobody Else But Me", la última canción que Jerome Kern escribió en vida, una melodía que creó para el reestreno de 1946 y que nunca llegaría a escuchar.
Como una epopeya atemporal como Beowulf o una obra de William Shakespeare, Show Boat puede reinterpretarse sin alterar su esencia. Esta flexibilidad no hace más que fortalecerla, volviéndola nueva y relevante para las generaciones venideras.
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Clif Jones, miembro de la sección de clarinetes de la Banda Sinfónica de Austin desde hace muchos años, es un maestro de la música de banda. Su enfoque fresco y sus armonías imaginativas revitalizan estas melodías clásicas.
Escucha:
Las melodías (en este orden)
Cotton Blossom
Bill
Make Believe
Life Upon the Wicked Stage
Can’t Help Lovin’ That Man
Ol’ Man River
"Raiders March" de En busca del arca perdida (1981)
“Raiders March” from Raiders of the Lost Ark (1981)
John Williams (n. 1932)
Transcrito por Paul Lavender
Poco después de componer la música de Star Wars: El Imperio Contraataca, John Williams colaboró con el director Steven Spielberg en un tipo diferente de película de aventuras, esta vez también protagonizada por el actor Harrison Ford. Después de su arrogante interpretación de Han Solo en las películas de Star Wars, Ford fue elegido para interpretar a un profesor de arqueología con gafas que trabajaba como un cazador de tesoros trotamundos en la exitosa película debut de la serie de Indiana Jones, En Busca del Arca Perdida. La película arrasó en los cines en 1981, con la banda sonora de Williams presentando una marcha entusiasta que finalmente sirvió como tema principal para las cuatro películas de Indiana Jones. Este tema de marcha y el tema de amor de la película, ambos incluidos en este arreglo, se han vuelto instantáneamente reconocibles como imágenes musicales inolvidables del icónico aventurero.
Escuche:
"No tomes prisioneros" de la sección de trompetas
Una corriente subterránea palpitante desde el latón bajo
Un hermoso escenario de trompeta del tema de amor de la película
Florence B. Price
Adoración (1951)
Adoration (1951)
Florence B. Price (1887-1953)
Transcripción de Cheldon R. Williams
Nota del programa de Michael-Thomas Foumai:
Con el redescubrimiento de la música de Florence Price en 2009, su legado, compuesto por manuscritos, cartas y objetos personales, fue descubierto en su casa de verano abandonada a las afueras de St. Anne, Illinois. Su vida, investigada exhaustivamente por el musicólogo Douglas Shadle, reveló que era una prolífica compositora de obras para teclado, cámara y orquesta, incluyendo dos conciertos para violín, además de maestra, madre y participante activa en la Asociación Nacional de Músicos Negros (NANM) y la Federación Nacional de Clubes de Música.
Nacida en Little Rock, Arkansas, Price fue una de tres hijos en una familia birracial. Su padre era el único dentista afroamericano de la ciudad y su madre, profesora de música local. Al parecer, la familia era muy respetada en la comunidad. Florence comenzó sus estudios musicales con su madre, ofreciendo su primer recital de piano a los cuatro años y publicando su primera composición a los once. Se graduó con las mejores calificaciones de su escuela católica local a los catorce años. Un año después, en 1902, se mudó a Boston para matricularse en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, donde cursó una doble especialización en enseñanza de órgano y piano. Se graduó con honores en 1906, con un diploma de artista y un certificado de enseñanza. Tenía solo 19 años en ese momento. Regresó a Arkansas en 1910 antes de mudarse a Atlanta, donde aceptó un trabajo como jefa del departamento de música en la Universidad Clark Atlanta, una universidad históricamente afroamericana. Dos años después, se casó con el abogado Thomas J. Price, dejó su trabajo y regresó a Little Rock, donde su esposo ejercía la abogacía y ella crio a sus dos hijas. Para entonces, sin embargo, las leyes de Jim Crow habían consumido la región y Little Rock estaba segregada racialmente. Las ventajas de las que había disfrutado años antes ya no existían; no pudo encontrar ningún trabajo significativo en la zona.
Price enfrentó muchos desafíos para forjarse una carrera entre los titanes masculinos, mayoritariamente blancos, de la época. En 1943, al escribirle al director de orquesta Serge Koussevitzky, se presentó así: «Mi querido Dr. Koussevitzky: Para empezar, tengo dos desventajas: la sexualidad y la raza. Soy mujer; y tengo sangre negra en las venas». Su obra, principalmente de estilo romántico, sería ignorada por muchos, incluyendo a Koussevitzky, pero ella perseveró. La interpretación de su Sinfonía en Mi menor con la Orquesta Sinfónica de Chicago en 1933 marcó la primera vez que una gran orquesta interpretó música compuesta por una mujer afroamericana.
Compuesta dos años antes de su muerte, la Adoración de Price es originalmente para órgano y cuenta con arreglos para violín solo y cuerdas de Jim Gray. Como sugiere el título, esta breve obra de tres minutos transmite una devoción sagrada común en la himnodia litúrgica.
Escucha:
Una canción de cuna sencilla y de desarrollo lento.
Marcha de "1941" (1979)
March from “1941” (1979)
John Williams (n. 1932)
Transcrito por Paul Lavender
En 1979, Williams encontró otra oportunidad en sus compromisos cinematográficos para escribir una nueva marcha para la extravagante comedia de la Segunda Guerra Mundial de Steven Spielberg "1941". La película presenta una banda sonora deslumbrante llena de grandilocuencia y garbo, que acompaña los eventos estrafalarios, bulliciosos e incluso absurdos que suceden en la pantalla.
El resultado es una marcha llena de pompa y arrogancia, con una pizca de acentos jazzísticos que le dan a la pieza un carácter descentrado. Como en muchas marchas de Sousa, Williams recurre a una técnica virtuosa y a una elaborada escritura contrapuntística, cuando yuxtapone los tres temas al mismo tiempo en la sección final de la pieza, tal como se escucha en los créditos finales de la película y en los arreglos del concierto.
Escuche:
Una introducción picante al flautín con el acompañamiento de la caja
Un incesante obligato de latón bajo
Una puesta a punto brillante para una impresionante carrera de metales bajos
Una combinación de todos los temas antes del final